La compagnie porte un intérêt particulier à transmettre ses outils et connaissances, par amour d’un théâtre toujours en mouvement et sans cesse interrogé. Elle propose ainsi des stages de clown, bouffon, et jeu masqué sous la direction d’Antxon Ordoñez Bergareche.
Accidental Company propose des stages de clown.
Être clown est pour beaucoup de personnes le dernier ou le premier travail auquel il faut s’atteler si elles veulent être comédien(ne) professionnel(le). Autant comme base indispensable que pour parfaire une formation; dans les deux cas la technique du clown est considérée de grande importance, parce qu’elle fournit les éléments fondamentaux pour être sur scène de manière entière et interactive avec le public.
STAGES DE CLOWN
Le stages se déroulent soit:
– pendant 6 jours avec des séances de 4 heures et demie.
– pendant un week-end d’initiation
INTRODUCTION
Notre pédagogie est orientée dans un double objectif :
-Premièrement, fournir une base solide de théâtre physique et d’improvisation comique nécessaire pour le travail du clown.
-Deuxièmement, apprendre des nouvelles techniques de jeu et d’écritures de scènes comiques à partir d’un nouveau point de vue.
Dans les deux cas, il est nécessaire d’avoir eu quelques expériences scéniques au préalable, ou bien d’être doté d’une grande volonté de jouer et d’apprendre de nouvelles choses car, même si le rire accompagne toujours le déroulement du cours, il s’agit d’un procédé de formation très intensif.
LES COURS
Le cours est conçu comme un laboratoire pratique sur le jeu, sur les techniques d’improvisations comiques et sur les interactions avec le public.
À cela s’ajoute la création de personnages comiques, en utilisant principalement la technique du théâtre physique et du jeu, durant laquelle il s’agit de bâtir un corps vivant, avec une voix, autour duquel s’articule un univers lexical et mental en mouvement, de manière à ce que l’on puisse improviser aisément et avoir ainsi une relation fluide avec le public et les autres personnages.
Pour débuter la formation, il est nécessaire de procéder à un “nettoyage” du mouvement et de l’esprit de l’acteur qui permettra d’avancer dans la création de manière ordonnée et efficace. Dans cet optique un travail sur l’immobilité et sur l’”aspect neutre” auront pour but de lui apporter un état de concentration maximale et une conscience de son corps optimum, afin d’atteindre l’état comique de manière instinctive mais aussi consciente et précise.
Les exercices et les entraînements sont orientés vers la recherche, l’acquisition et le renforcement de ces outils qui permetteront au comédien de dominer l’élan, le rythme et les stratégies comiques face à l’engagement de la scène.
Le jeu et le corps de l’acteur
Les bases du cours sont le jeu et le rire, et ils seront l’esprit de tous les exercices physiques. Les exercices sont destinés à:
– mobiliser le corps et l’esprit en faveur de l’amusement réciproque de l’acteur et du public.
– libérer les émotions à travers le mouvement, et savoir les maitriser pour les mettre au service de la comédie.
Les exercices font appel à deux domaines différents qui se combinent très souvent, à savoir: les techniques de décomposition, l’analyse du mouvement et les jeux centrés sur le développement du plaisir d’être sur scène.
Les techniques de décomposition et l’analyse du mouvement serviront à conduire le travail la création et à apporter une vision technique du travail corporel.
Les jeux centrés sur le développement du plaisir d’être sur scène auront pour but l’entraînement de la logique théâtrale, à travers la recherche d’objectifs.
Les participants seront confrontés à leurs limites physiques et mentales, à la déroute et au ridicule face aux autres, afin d’apprendre à le considérer comme quelque chose de fluide et léger, propre au travail d’un comique.
Les exercices physiques reposent sur deux concepts de base: contrôler la respiration comme moyen pour débloquer son corps, et mobiliser l’imagination de l’acteur comme instrument de création et de dispositif scénique.
L’acteur et le public
L’interaction avec le public et l’écoute sont une constante obligatoire.
Soit à travers l’improvisation, toujours destinée à communiquer avec l’auditoire, soit au moment de donner ou bien de recevoir des observations et des critiques qui seront guidées par le professeur mais toujours de manière collective.
C’est pour cela que, même si le cours est limité à de petits groupes (pas plus de douze personnes puisqu’il y a un travail individuel très important), l’apprentissage se réalise aussi grâce à l’analyse du travail des autres.
Les improvisations individuelles s’effectuent, en général, sans changer d’élève jusqu’au moment où la personne parvient à avancer et à se débloquer. Cette méthode de travail demande un effort permanent pour être toujours un public actif, et attentif mais l’objectif est que chaque participant termine le processus, soit avec un document écrit, soit avec un avancement technique de son jeu d’acteur.
L’écriture comique
L’esquisse du personnage une fois amorcée, s’ouvre la possibilité de commencer l’écriture des scènes. On encouragera le développement de l’univers personnel de l’acteur comme auteur, soit à travers l’apport de sujets, textes ou idées concrètes, soit à travers des improvisations ouvertes où l’acteur propose et cherche sur la scène avec l’éclairage avisé du professeur et de ses compagnons.
Chaque cours est un processus qui se construit de manière collective, laissant beaucoup de place aux suggestions des participants, ce qui fait qu’un petit détail qu’on trouve le premier jour peut finir par construire une scène le dernier, par l’intermédiaire de la connexion des personnages, scènes, textes, costumes…
Le mécanisme de l’écriture théâtrale s’équilibre entre ce qui fonctionne au niveau comique et ce que mentalement nous prenons comme guide, comme fil conducteur.
Il est aussi important de savoir abandonner une idée qui ne fonctionne pas par une occurrence apparemment stupide mais efficace, que de savoir trouver la manière intelligente de défendre jusqu’au bout un projet, si c’est ce que nous voulons vraiment raconter.
Le clown intérieur
On parle d’un clown “intérieur”, d’un personnage qui serait une partie inhérente de chacun de nous et qu’il faudrait chercher pour se libérer et pouvoir devenir et être clown; ou bien parfois, on se fait une idée du clown comme d’un “exercice thérapeutique”.
Dans la méthodologie de ce cours, aucune de ces représentations ne sont abordées.
Il s’agit uniquement d’acquérir les compétences nécessaires pour faire rire le public par l’intermédiaire d’un personnage spontané qui maintient un processus de communication vis à vis de celui-ci. Néanmoins, le travail demande couramment l’expression des états d’âme, émotions et passions du personnage, ce qui entraîne souvent l’acteur à se rencontrer lui-même avec ses propres limites et ses propres blocages.
Le travail de recherche sur la neutralité sur scène, est employé pour comprendre l’essentiel, il permet de distinguer, d’épurer le langage théâtral et de clarifier les propositions de l’acteur.
Dès le premier moment, cela permet d’identifier les gestes parasites qui sont comme des lapsus du geste, des mouvements, des sons et des paroles qui s’échappent du contrôle rationnel de l’acteur et que chacun possède. Ces caractéristiques s’éloignent inévitablement de la neutralité et montrent les authentiques élans de la personne qui les exécute.
Ceci est précisément un des piliers du cours, ne pas réprimer cette « erreur » mais au contraire l’identifier et l’exploiter, par l’intermédiaire d’une analyse qui puisse pénétrer dans chaque univers personnel et construire des personnages qui jouent avec le public depuis un endroit très proche de celui qui les représente.
Cela dit, la proximité nécessaire avec le personnage clown n’est seulement qu’une première partie de la recherche liée à la difficulté de construire un personnage organique et spontané dans un délai de temps aussi bref que celui qui nous est accordé.
La proposition de ce cours est de pouvoir construire le personnage que nous désirons et être spontané avec lui, jouer et nous amuser en faisant rire les autres. C’est la base de cet enseignement ; créer, imaginer et s’amuser.
Et si cela est thérapeutique, le théâtre en général l’est aussi.
“LA VÉRITÉ DU GROTESQUE”
INTRODUCTION
Le bouffon est un personnage comique qui communique face au public, en se gaussant de ses faiblesses, en mettant en exergue les contradictions des coutumes et des principes moraux, généralement en jouant avec les certitudes sur lesquelles nous bâtissons notre existence. Le bouffon regarde le public de haut, tout en se riant de lui-même et de ses misères, pour ensuite rire du monde qui l’entoure.
Pour l’incarner, le comédien doit se libérer de ses attaches morales et développer une sensibilité spéciale pour l’observation et la réinterprétation de la réalité, afin de créer des personnages et des situations très stylisées. L’apprentissage repose en grande partie sur le développement de la capacité à diriger le groupe ou se mettre à son service.
LA PÉDAGOGIE
Le cours est un laboratoire théâtral sur le jeu et la mise en scène de personnages de Bouffon, par le biais d’une combinaison de techniques issues principalement du théâtre physique.
La base de la pédagogie est le jeu, le plaisir et le rire. On travaille toujours à partir de propositions simples, que l’on complexifie au fur et à mesure. L’idée est de développer un accompagnement personnalisé avec chaque élève selon son niveau, tout en offrant la possibilité à ceux qui le souhaitent d’approfondir des exercices plus complexes, l’objectif étant toujours d’avancer.
Dans un premier temps, on commence à travailler sur la recherche et l’expérience du rire en groupe. On passe ensuite à l’exploration individuelle du jeu et de l’intuition du comédien par le biais d’improvisations. Cette phase s’articule autour de deux aspects: un aspect technique et un autre aspect plus « animal ». D’un côté, la création de personnages et l’étude des techniques de la comédie, et de l’autre, la recherche d’un état de disponibilité au travers du jeu et de la spontanéité physique et mentale.
Généralement, chaque personne travaille sur la même improvisation individuelle jusqu’à ce qu’elle avance et se “débloque”. Cette méthode de travail exige un effort constant de la part de chaque participant afin d’être un public actif. L’objectif est qu’à la fin du cours chaque personne reparte avec du matériel écrit et en ayant avancé sur le plan de la technique et du jeu.
MÉTHODOLOGIE ET OBJECTIFS
Le cours se compose de trois sessions de six heures chacune, avec un maximum de quinze élèves par cours. Les participants devront venir avec des vêtements confortables. Il est également requis un espace adéquat à l’activité physique.
Pendant le cours, on travaillera toute une série d’objectifs spécifiques afin de découvrir et de développer les ressources expressives:
_Analyse de la tragédie et de la comédie par le biais de la technique bouffonne. Utilisation de l’exagération et de la déformation comme des outils d’expression de la vérité. Rire de ses propres tragédies au travers de la moquerie. Faire une recherche sur les limites dans la rupture des tabous et de toute moralité. Travailler la différence entre la critique grotesque et la grossièreté. Travailler la méfiance, la moquerie et la parodie.
_Interaction avec le public. Travail d’écoute. Improvisation comique à travers de l’écoute. Improvisations individuelles et en groupe. Trouver un code commun dans l’improvisation en groupe. Se libérer de la pression du public, rire et pleurer.
_Recherche de l’impulsion, de l’élan. Le lien entre impulsion et écoute physique. L’importance de l’univers de l’imagination du comédien dans ce processus.
_Création de personnages organiques à partir de l’analyse du mouvement, du rythme et de la décomposition du geste. Recherche et élaboration de bouffons par le biais de la déformation de la voix et du corps. Utilisation de costumes et de rembourrages afin de créer ces déformations. Comment trouver l’expression de la vérité critique par le biais de la déformation et de l’exagération ?
_Écriture d’une scène à partir du matériel valide trouvé pendant le cours. Développement de l’univers personnel du comédien comme auteur : proposition et recherche de scènes. L’efficacité face au désir de raconter. Objectif, Ecriture, Improvisation et Texte.
DU MASQUE AU CLOWN, IMPROVISATION COMIQUE ET ÉCRITURE THÉÂTRALE
Ce stage vise à pratiquer et développer les techniques de masque, en partant de la découverte du masque neutre, et allant jusqu’au masque le plus complexe et le plus simple, le nez. De plus, il vise à développer et travailler les techniques d’improvisation et d’écriture.
Le masque peut être considéré comme la base du langage théâtral, que ce soit au niveau du jeu du comédien ou au niveau de l’écriture. Le travail avec le masque met l’accent sur la décomposition du mouvement, la réaction et l’écoute. Il pousse l’acteur à réfléchir sur la réalité pratique de son art, sur la relation avec le public et avec son propre corps, lui imposant une forme et une méthode de travail exigeante.
Le stage se développe à partir de techniques instaurées par Jaques Lecoq, Mario González et Ariane Mouchkine. Il consiste, initialement, en une réglementation du travail de choeur. Le participant se verra progressivement soumis à une série de normes qui régulent chaque moment de sa présence sur scène, et qui lui permettront de générer les conditions de concentration physique et mentale nécessaires pour incorporer le masque de façon simple et naturelle.
Les règles, strictes et nécessaires, se constituent en relation à un espace, des collègues et un public. Tout mouvement est codifié, ce qui le rend compréhensible pour tous les participants (même ceux qui ne sont pas sur scène), et ce qui permet une participation active et constante dans les exercices.
Paradoxalement, cette limitation constante finit par libérer le comédien, et rend plus facile l’incorporation du masque neutre. Le point culminant de ce processus sera, d’une part, la maîtrise du masque basique avec la conscience de soi par rapport à l’espace, au public et aux autres participants, et d’autre part, une simplicité dans le travail, qui amène à l’improvisation ordonnée et libre, base du travail du masque expressif.
Ce cours constitue donc une base pour le travail du masque expressif, et implique un processus d’improvisation sur des trames comiques simples et à partir de personnages forts, marqués avant tout par une forte relation avec le public.
Première partie : de l’efficacité à l’expression
Il s’agit d’un travail de choeur, en rapport à un masque et à un espace neutre. L’objectif est de procurer une base à ceux qui souhaitent améliorer leur technique de masque ou peaufiner leur travail physique sur scène. Il s’agit d’un entraînement pour obtenir des outils techniques essentiels à l’improvisation de type comique.
En introduction, il sera d’abord nécessaire de mener un processus de « nettoyage » du mouvement et de la pensée de l’acteur, afin d’avancer dans la création de manière ordonnée et efficace ; ce travail sera mené à partir de deux points clés, l’espace et les collègues de travail.
Deuxième partie, improvisation masquée
La deuxième partie du cours est souvent développée comme unité et combinée avec la première, le fil conducteur étant la pratique de la technique du choeur. Cette partie du travail est dédiée à l’approfondissement de l’utilisation du masque expressif pour la création de personnages (conclusion de la première partie) et à à l’écriture de scènes en improvisation. Les derniers jours seront essentiellement dédiés au travail de création de groupe.
Ce stage s’adresse non seulement aux personnes qui désirent travailler le masque, mais aussi à tous ceux qui désirent « épurer » leur technique de mouvement en scène, améliorer leur capacité d’improvisation ou leur méthode de travail comme équipe de création théâtrale.
